Arte Pop

El arte pop, también conocido por su nombre en inglés pop art, fue un movimiento artístico del siglo XX. Se caracterizó por emplear imágenes y objetos de la cultura popular, tomados de los medios de comunicación de masas (anuncios publicitarios, revistas, cómics, cine) o de la realidad cotidiana El arte pop surgió como movimiento a finales de la década de 1950 en Inglaterra, y mientras que en Estados Unidos empezó a despuntar con la década de 1960.

Se valía de materiales industriales, carteles, publicidad, artículos de consumo, ilustraciones de revistas, muebles en serie, vestidos, latas de conservas, botellas de gaseosas, etc.

Características del arte pop

La intervención del arte pop consistía en sacar imágenes u objetos populares de su contexto habitual para así, al aislarlas o combinarlas con otros elementos, lograr resaltar o iluminar algún aspecto banal o kitsch, o destacar algún sentido o rasgo cultural concreto. En este sentido, el arte pop podía también considerarse un síntoma de la sociedad de la época, caracterizada por el consumismo, el materialismo, el culto a la imagen y a la moda. De allí que la ironía y la sátira de sus intervenciones artísticas fueran utilizadas como instrumento de crítica y cuestionamiento de los valores y las ideas arraigadas en la sociedad de consumo. Pero el arte pop y toda su controversial estética y postura ante la realidad, además, suponía una reacción frente a los cánones de las bellas artes tradicionales, del mismo modo en que la música pop constituyó en su momento un gesto de ruptura a los preceptos tradicionales de la música.



Suele colocarse al arte pop en la frontera entre el final del arte moderno y el comienzo del arte postmoderno. En este sentido, algunos lo consideran una manifestación artística crepuscular de la modernidad, mientras que otros lo ven como una de las más tempranas expresiones de la posmodernidad en el arte.

Representantes destacados del Arte Pop

Andy Warhol

Andy Warhol es probablemente la figura más conocida y máximo exponente en el movimiento de arte pop. Fue en la década de 1960 cuando comenzó a experimentar con las reproducciones a partir de imágenes producidas en escena de la cultura popular, tales como latas de sopa Campbell y las botellas de Coca Cola. En 1962, cuatro meses después de la muerte de Marilyn Monroe, Warhol creó varias imágenes de producción masiva de la actriz, todas basadas en la misma fotografía publicitaria de la película de 1953 Niagra, se podría decir que es sus obras más famosa son en donde la repetición de los objetos y rostros predominan en el espacio. La impresión díptica ofrecida a los retratos en colores vibrantes y la decoloración en blanco y negro, simboliza el culto a una celebridad y su muerte. Luego pasó a dar un tratamiento similar a celebridades como Jackie Kennedy y Elvis Presley. Su legado es muy amplio y se encuentra repartido y expuesto por todo el mundo, inspirando a las nuevas generaciones.

David Hockney

El artista británico David Hockney se asocia más con pinturas de paisajes bañados por el sol, que creó mientras vivía y trabajaba en Los Ángeles desde 1963 hasta 2005. Sus primeros trabajos ofrecen un poco de su ánimo humorístico, se caracteriza por utilizar colores vivos y usuarios en imágenes estilo revista, lo cual le permitió ganar rápidamente una reputación de líder practicante del arte pop. El desarrollo de su estilo, en la década de 1980 Hockey comenzó a producir collages fotográficos, inicialmente de impresiones Polaroid y más tarde en impresiones en color de 35 mm. Hoy sigue trabajando y entre sus diversas habilidades se incluyen el grabado, la pintura, el dibujo, el cine, el teatro y el diseño.

Richard Hamilton

Fue un artista y diseñador británico considerado por la amplia mayoría de estudiosos como el padre del Pop Art al profetizar lo que acabaría siendo el Pop Art: "Popular, concebido para las masas; efímero, con soluciones a corto plazo, prescindible, fácilmente olvidable; de bajo coste, producido en masa; joven, dirigido a la juventud; ingenioso; sexy; efectista; glamuroso… un gran negocio…".

Además, Hamilton creó para la exposición This is Tomorrow (1956) la que muchos consideran como la primera obra totalmente Pop, Just what it is that makes today’s homes so diferent. So apealing? (1956). En ella, Hamilton realizó un fotomontaje en el cual se mostraba la recién llegada cultura materialista. Con ello intento contraponer los iconos “pop” a una voluntad de reflexión por parte del espectador (algo muy propio del Pop Art británico, que no tendría una cabida tan explícita en el americano). Asimismo, vemos por primera vez la presencia del término “pop”, que el mismo artista acuñaría un año después.

Roy Lichtenstein

Roy Lichtenstein es, junto a Andy Warhol, el artista Pop por antonomasia. Pese a ser un artista iniciado en el Expresionismo Abstracto, hacia 1958 su carrera dio un giro hacia la figuración mediante la incorporación de imágenes tomadas del universo de los cómics. Años más tarde, la totalidad de su producción estaba formada por iconos procedentes de los cómics y la televisión.
Amante de Picasso, en su producción advertimos una fuerte influencia del cubismo y la técnica del collage, aun siendo éste resuelto solamente en el marco teórico, pues las obras de Lichtenstein siempre fueron obras reproducidas a mano siguiendo, eso sí, la técnica del Benday de las artes gráficas. Algunas de sus obras más célebres son Beso V (1964), Pequeña Gran Pintura (1965), Habitación de Arles (1992) o el Baile (1974), todas ellas consideradas en la actualidad como un valor mercantil destacado. Y es que con el paso de los años podemos advertir como las obras de Lichtenstein logran el estatus de aquello que imitan, un objeto de consumo.

Claes Oldenburg

Claes Oldenburg fue el responsable de materializar el concepto de objeto como monumento mediante la creación de replicas a gran escala de distintos objetos cotidianos. En obras como Spoonbridge and Cherry (1985-86), Free (1991) o Apple Core (1990) observamos piezas de esculturas blandas que han sido reforzadas mediante fibra con poliéster. A su vez, la pensada ubicación de las esculturas de Oldenburg representa la apropiación de los objetos de consumo sobre el espacio público, una metáfora, quizás, de cómo estos han acabado colonizando todos nuestros ámbitos.



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